arte debajo del sombrero

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El arte outsider hace referencia no a un estilo, sino a una forma de hacer. Se trata de una expresión acuñada por Roger Cardinal en 1972 que, a su vez, proviene del término art brut, concebido por el artista francés Jean Dubuffet a mediados del siglo XX. Para Dubuffet, la noción de art brut reposa sobre la inexistencia de formación artística y el desconocimiento de toda tradición cultural. Asimismo, en sus palabras, “el creador de art brut (…) no tiene idea de un destinatario, ni espera ninguna clase de reconocimiento social (…); su producción se desarrolla al margen de cualquier marco institucional.”[1]

El sendero que recorre la propia acción creativa constituye el principal interés del artista outsider, un autor de proceso puro. De que este sendero sea abarcable se encarga la asociación Debajo del Sombrero, una entidad sin ánimo de lucro que tiene como misión contribuir, mediante la expresión artística, a la mejora de la calidad de vida de personas con discapacidad intelectual; ampliar sus espacios para la creación y expresión; fomentar la promoción y difusión de sus creaciones, y solidificar carreras de artista articulando la relación con galerías y coleccionistas de arte.

Tomando como referencia proyectos pioneros como el del Creative Growth Art Center de Oakland (California), el Atelier Herenplaats de Rotterdam (Holanda), el CREHAM de Lieja (Bélgica) y tantos otros centros que funcionan con éxito fuera de nuestras fronteras desde hace décadas, el trabajo que se desarrolla en Debajo del Sombrero corrobora que la experiencia artística puede ser una vía para desarrollar un proyecto vital completo e integrador.

Uno de los proyectos que aglutina esta asociación es El Sombrero en la Casa, que se desarrolla en La Casa Encendida, y ofrece formación artística y técnica en diferentes formatos, además de invitar a lo largo del curso a autores de prestigio que refuerzan el proceso de aprendizaje. El 30 de septiembre de 2011, los participantes en este proyecto visitaron Transtempo, la exposición de la fotógrafa Cristina García Rodero (Puertollano, Ciudad Real, 1949) que acogió el Círculo de Bellas Artes entre julio y octubre de este año. En la muestra pudieron verse más de tres décadas de trabajo de la autora, específicamente el que realizó en territorio gallego. García Rodero fue la primera española en ser miembro de la Agencia Internacional de fotografía Magnum y se inscribe en la tradición de la antropología visual.

A continuación podéis ver la interpretación personal que algunos de los participantes efectuaron, lápiz en mano, de las obras de este referente de la fotografía contemporánea. Aquí, los nombres de todos los artistas: Alberto de Torres, Andrés A. Fernández, Antonio González, Eduardo Oquendo, Héctor Modrego, José Luis Morón, José Manuel Egea, Marina Solana, Marta Barbachano, Miguel Ángel Suesta, Rosa María Herranz y  Teresa Fernández.    

[1] Círculo de Bellas Artes, Art Brut. Genio y delirio, p.18.

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godard: siglo XXI en el cine estudio

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A mediados de 1999 el director francés Jean-Luc Godard recibe un encargo del Festival de Cine de Cannes. Se acerca la edición del año 2000, primera del milenio, y el Festival quiere arrancarla con una proyección novedosa en la que se conjuguen lo radical y lo poético, un acontecimiento cinematográfico de primer orden que recuerde el espíritu de libertad y compromiso que ha marcado la propia historia del Festival. La idea es dar carta blanca a Godard, enfant terrible del cine francés, para que elabore una obra sin condicionantes previos que recoja el espíritu del siglo que se cierra y el del nuevo que se abre.

El resultado es De l’origine du XXI siécle, un cortometraje en el que, sobre un fondo de imágenes de archivo de la barbarie nazi, se alternan otras de Maurice Chevalier en Gigi, de Ophüls y Maupassant, de Belmondo y Seberg en À bout de souffle. Una celebración del desarrollo del cine a lo largo del siglo XX pero, sobre todo, un balance personal del propio Godard sobre su vida y su obra. El realizador había cerrado el siglo con un trabajo monumental, Histoire(s) du cinèma, y asume públicamente con este corto el cierre de una etapa y el reto de entrar en el nuevo siglo con un cine que se mantenga en un camino que no se desvíe de la experimentación y de la valentía a la hora de afrontar los retos que plantean los nuevos tiempos.

Una apuesta arriesgada para un director que afronta el nuevo siglo con ya 70 años y que opta por seguir investigando y no acomodarse a los ritmos adquiridos. Y una elección que no ha abandonado desde entonces. La carrera de Godard en este siglo XXI se ha mostrado más inquieta que nunca: cortometrajes, trabajos para televisión, piezas de videocreación. Pero el corpus de la década se asienta sobre tres largometrajes de ficción (si es que este término puede aplicarse a Godard) que recoge el ciclo que tiene lugar esta semana en el Cine Estudio.

Elogio del amor, Nuestra música y Film Socialisme, tres títulos a los que bien puede adjudicarse el epíteto de “rescatados”, pues pese a haber sido estrenados en España han encontrado un escaso eco comercial y, como prácticamente toda la última obra de Godard, han pasado prácticamente desapercibidos en nuestras pantallas. El ciclo ofrece a los espectadores del Cine Estudio la posibilidad de verlas de manera independiente  o conjunta, intentando encontrar la cohesión interna de esta trilogía inconfesa. Tres nuevas piezas de una filmografía-puzzle como la de Godard, que cambia de sentido con cada nueva película de su realizador.

TRAILER DE LAS PELÍCULAS DEL CICLO:

Elogio del amor (VOSP)

Notre musique (VOSI)

Film Socialisme (VO)

Consulta aquí el calendario de proyecciones.

ver para hacer ver

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“Ver para hacer ver, comprender para hacer comprender”. La máxima que auspició el trabajo de uno de los sociólogos más relevantes del siglo XX, Pierre Bordieu, sirve también, en opinión de Juan Barja (Director del Círculo de Bellas Artes), como faro conductor de Magreb: dos orillas, un programa de actividades que el CBA dedica este otoño a la realidad social y cultural del Magreb.

El proyecto, integrado por exposiciones, conferencias, un ciclo de cine y especiales en Radio Círculo, pretende desenvolver el cuerpo de una sociedad que habita aquí y allí, a ambos lados del Mediterráneo, así como mostrar la porosidad entre culturas. Las muestras Magreb: dos orillas  (27.10.11 > 15.01.12) y Pierre Bordieu. Imágenes de Argelia  (13.10.11 > 15.01.12) desvelan, de forma cronológica, el ecosistema humano de la zona más occidental del mundo árabe, desde la época colonial hasta la realidad actual globalizada.

Por su parte, dos ciclos de conferencias, El Magreb frente a la globalización  (21.11.11 > 23.11.11) y El oficio del sociólogo. El legado de Pierre Bordieu (12.12.11 > 14.12.11), ahondan, respectivamente, en los hitos fundamentales de la evolución social, cultural y política del Magreb, y en las líneas maestras que ocuparon a Bourdieu, con especial atención a las relaciones interculturales. Un ciclo de cine (03.11.11 > 20.11.11) que incluye una selección de los títulos que con mayor acierto han reflejado la problemática actual del Magreb y Transmagrebina (desde el 15.11.11), una serie de programas en Radio Círculo, completan el plan de actividades.

En el siguiente vídeo, Juan Barja habla de los orígenes de Magreb: dos orillas y explica detalladamente los contenidos del proyecto.

https://www.circulobellasartes.com/blogmedia/juanbarjamagreb.f4v

magreb: dos orillas

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La exposición Magreb: dos orillas se enmarca dentro de un programa de actividades que el Círculo de Bellas Artes dedica este otoño a la realidad social y cultural del Magreb. Esta muestra recoge la voz de 13 autores jóvenes provenientes de Marruecos, Argelia, Túnez y Europa, y pretende ser un escaparate del hilado artístico que conecta las dos costas mediterráneas, así como alimentar una dialéctica apasionante entre lo local y lo global.

En la década de los cincuenta del siglo XX, una primera generación de artistas magrebíes enraizó su trabajo lejos de su tierra, en diferentes capitales europeas. Tras la promulgación de la independencia de sus respectivos países, estos artistas regresaron a casa, favoreciendo la emergencia de una corriente artística postcolonial propensa a anclar el arte contemporáneo en la búsqueda de la identidad, así como a localizar respuestas estéticas que han contribuido a poner de relieve los rasgos esenciales del arte contemporáneo en el Magreb.

Coincidiendo con la inauguración de la muestra en el CBA, le hemos pedido a cuatro de los artistas participantes que acompañen sus obras expuestas de unas palabras. A continuación, recogemos las reflexiones de Chourouk Hriech, Nicène Kossentini, Mehdi Meddaci y Driss Ouadahi en torno a sus respectivos trabajos.   

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nevermind

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Un bebé desnudo bajo el agua nadando en dirección hacia un billete que prende de un anzuelo. Sobre Nevermind (DGC Records, 1991) se ha dicho, entre otras muchas cosas, que el sonido de la guitarra de Kurt Cobain en este álbum estableció el tono para el rock de los noventa. Y es que el segundo trabajo de estudio de Nirvana, cuanto menos, presentó al mundo la escena grunge de Seattle. 

Este año se conmemora el vigésimo aniversario de la publicación de Nevermind. Con tal motivo, los compañeros del programa de Radio Círculo La Isla de Encanta han pedido a diversos grupos del panorama nacional que elijan una canción del mítico disco de Nirvana para grabar una versión y radiarla durante las dos primeras emisiones de la temporada. 

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¿por qué escribo?

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Félix Romeo ha fallecido esta mañana de un paro cardiaco en Madrid. Poeta, articulista, ensayista, crítico, agitador cultural. Romeo publicó tres libros (Dibujos animados, Discotèque y Amarillo) y fue director del programa cultural La Mandrágora. Había nacido en Zaragoza en 1968.

A continuación reproducimos un artículo autobiográfico de la revista Minerva en el que el autor aragonés reflexionaba en torno a sus inicios en la escritura y los motivos que le llevaron a dedicarse a ella.

 

¿Por qué escribo?
Félix Romeo

Escribo porque soy diferente.

Escribo para ser diferente.

Empecé a escribir porque era diferente. Empecé a escribir porque quería ser diferente. Nadie quería ser escritor cuando yo decidí ser escritor. Recuerdo a un niño que quería ser dentista y a otro que quería ser mecánico. Tenía doce años. No conocía a ningún escritor. Nunca había hablado con un escritor. Había leído a Rimbaud. Había leído una biografía de Rimbaud. Había leído los manifiestos dadaístas y El hombre aproximativo de Tristan Tzara. Siempre había leído. Había leído los libros de Enid Blyton. Había leído los siete secretos y los cinco. Había leído otros libros que no eran de Enid Blyton pero lo parecían, como los de los tres investigadores.

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pierre bourdieu. imágenes de argelia

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En el transcurso del siglo XX, la colonización y los movimientos migratorios han intensificado las conexiones tejidas históricamente entre Europa y el Magreb. Las dos riberas del Mediterráneo han entablado un diálogo artístico moderado, inevitablemente, por las transiciones y los enfrentamientos. Así, el devenir de la historia ha tallado en la cultura contemporánea de la región más occidental del mundo árabe un carácter muy particular. 

El Círculo de Bellas Artes dedica buena parte de su programación de otoño a la realidad social y cultural del Magreb. Particular interés revisten las exposiciones Magreb: dos orillas (27.10.11 > 15.01.11), que nos acerca una selección de jóvenes artistas magrebíes residentes en Marruecos, Argelia, Túnez o Europa, cuyo trabajo es fruto de un momento de vitalidad creativa que no es arriesgado poner en relación con las tensiones sociopolíticas que recorren hoy mismo la región, y Pierre Bourdieu. Imágenes de Argelia (13.10.11 > 15.01.12), una muestra que ilustra la estancia del sociólogo francés en el país norteafricano durante los años cincuenta, cuando estalla la guerra de liberación contra Francia. Más de un centenar de fotografías retratan no solo el ecosistema social y etnográfico de Argelia, o la crudeza en la búsqueda de su independencia, sino también la construcción en la mirada del sociólogo. Las instantáneas se acompañan de textos en los que se recorre cronológica y temáticamente la permanencia de Bordieu en esa región y se pone de manifiesto el imponente rastro de este período en el resto de su obra.

A continuación, podéis leer una entrevista que desde el Blog del CBA le hemos realizado a Christine Frisinghelli, comisaria junto a Franz Schultheis de Pierre Bourdieu. Imágenes de Argelia. Especialista en el legado argelino de Bordieu, Frisinghelli es directora de proyectos expositivos en Camera Austria y editora de la publicación fotográfica trimestral de esta institución.

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volantes y playeras

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Aunque Elsa Rovayo -más conocida como La Shica– es de Ceuta, aterrizó a los 15 años en Madrid, más en concreto, en ese símbolo para la danza que es Amor de Dios. Por aquel entonces los volantes eran su instrumento de trabajo. Pero su camino estricto por tablaos y compañías de danza le condujo a un paraje donde, al parecer, comenzó a andar con más libertad. Allí se encontró con su voz: flamenco y copla, rock y música negra. La ceutí articula un lenguaje singular e incorpora su particular visión del baile para ofrecer espectáculos que destilan creatividad y pasión.

 

Coincidiendo con la celebración de la Semana de la Cooperación que organiza la Agencia Española de Cooperación Internacional (AECID), La Shica actuó en el Círculo de Bellas Artes y respondió amablemente al siguiente cuestionario:

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retrospectiva elia kazan en el cine estudio

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Cuando en 1999 la Academia de Hollywood anunció que concedería su Óscar Honorífico anual al realizador Elia Kazan, el guionista Abraham Polonsky no tardó en declarar a la prensa su gran interés por la entrega del premio: “Veré la gala con la esperanza de que alguien le dispare, lo que daría algo de emoción a una noche que, de otro modo, será un aburrimiento”. Podría resultar extraño que la concesión de un Óscar como reconocimiento a una de las carreras más indiscutibles y populares de la historia del cine estadounidense fuera recibida con estas declaraciones y con un boicot organizado por otro guionista, Bernard Gordon, que tuvo un eco importante en la sede de la gala. Pero así fue. Gran parte de los asistentes no dudó en expresar su rechazo a Kazan negándose a aplaudir al homenajeado.

http://www.youtube.com/watch?v=rb_waAbvlY0

Había pasado ya casi medio siglo, pero las heridas seguían abiertas. Cuando en 1952 Kazan fue llamado para declarar ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas del senador McCarthy -la denominada “caza de brujas”-, el director, todavía una joven promesa encumbrada por la reciente realización de la brillante Un tranvía llamado deseo, duda en un primer momento, pero enseguida cede y delata a muchos de sus antiguos compañeros cuyas carreras quedaron bruscamente interrumpidas. “Tengo que pensar en mis hijos”, se justificaría Kazan. La carrera del director continuará y dejará un buen puñado de obras maestras, pero su vida había abierto un segundo capítulo que Kazan padecerá –y posiblemente de manera justa- el resto de su vida.

Disquisiciones éticas e ideológicas que siempre seguirán a Elia Kazan, pero que tampoco deben distraernos a la hora de valorar y disfrutar una carrera intachable: sin duda alguna, su filmografía es una de las más sólidas del cine norteamericano y su valor lo refrendan grandes admiradores de su obra, realizadores como Stanley Kubrick, Martin Scorsese o Woody Allen, o intérpretes como Robert De Niro, Karl Malden o Marlon Brando, todos ellos agradecidos a un Kazan que les dio su formación como actores gracias a haber fundado en la década de los 50 el Actor’s Studio, escuela neoyorquina que marcaría un antes y un después en el concepto de la interpretación teatral y cinematográfica.

El Cine Estudio arranca su programación de septiembre con una amplia retrospectiva dedicada a la obra de Elia Kazan que nos llevará hasta octubre. Durante todo el mes –con algunas interrupciones, no olvidéis consultar la programación-, los espectadores podrán disfrutar de nueve películas del realizador. Entre ellas, sus grandes clásicos: Pánico en las calles (1949), auténtico pilar del cine negro americano; Un tranvía llamado deseo (1951), popular adaptación al cine de la obra teatral de Tennessee Williams que alcanzará cuatro Óscars y lanzará al estrellato a un joven actor del Actor’s Studio, Marlon Brando; La ley del silencio (1954), película autoexculpatoria con la que Kazan intenta explicar metafóricamente el porqué de su delación y que se convertirá inmediatamente en uno de los grandes iconos del cine norteamericano gracias a sus ocho Óscars; Al este del Edén (1955), con la que Kazan lanzará a un joven actor, James Dean, y con la que conseguirá otros siete Óscars; Esplendor en la hierba (1961), que contó con dos de los jóvenes actores destinados a marcar a toda una generación de intérpretes, Natalie Wood y Warren Beatty; o América, América (1963), monumental película de tintes autobiográficos con la que Kazan cerrará su carrera, volviendo a la realización sólo puntualmente a partir de entonces. Junto a ellas, tres joyas a redescubrir por los cinéfilos, tres películas menos conocidas pero imprescindibles para valorar la carrera del director: La barrera invisible (1947), Río salvaje (1960) o su último trabajo, la excelente El último magnate (1976). Un amplio recorrido por la carrera de Kazan que permitirá a los espectadores valorar en su justa medida su aportación a la historia del cine y, sobre todo, disfrutar de unas películas imperecederas.

TRAILER DE LAS PELÍCULAS DEL CICLO:

La barrera invisible (VO)

Pánico en las calles [secuencia] (VO)

Un tranvía llamado deseo (VO)

La ley del silencio [reportaje sobre la película] (VE)

Al este del Edén (VO)

Esplendor en la hierba (VO)

América, América (VF)

+ Martin Scorsese sobre Elia Kazan (A Letter to Elia, Martin Scorsese, 2010, VOSE)

BIBLIOGRAFÍA

Mis películas: conversaciones con Jeff Young. Barcelona, Paidós, 2000

Kazan, Elia: Mi vida. Madrid, Temas de Hoy, 1990.

Consulta aquí el calendario completo de proyecciones.

fin de temporada

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Piano Phase (1967), del pionero del minimalismo Steve Reich, abrió el tradicional Concierto Fin de Temporada del Círculo de Bellas Artes el pasado 21 de julio. La formación Plural Ensemble (Alberto Rosado y Carlos Apellániz al piano, César Pervis al vibráfono y Jaime Fernández a la marimba), que dirige el compositor y director argentino Fabián Panisello, interpretó un programa compuesto por, además del citado prototipo de phasing works del músico norteamericano, Linea (1973), un ballet escrito por el compositor italiano Luciano Berio; Corales para órgano (s XVIII), una ambiciosa obra de Johann Sebastian Bach escrita durante su estancia en la corte de Weimar, y Essentias (2010), del propio Panisello, una partitura que se divide en cinco partes, siendo todas ellas relecturas de otras tantas partes de obras orquestales recientes.

En el siguiente vídeo podéis ver íntegramente el concierto.

https://www.circulobellasartes.com/blogmedia/findetemporada.f4v